In poco più di un’ora l’ensemble ha percorso un campo molto ampio dell’opera di S. Sciarrino, dove si scontrano due diversi linguaggi della sua musica. Uno prevede l’uso di opere e stili già esistenti giocando con la forma e costruendo mosaici elaborati – “qualcosa di sentito” non riesce a prendere forma e diventa già un altro “qualcosa di sentito””.

A tal fine, il compositore “ascoltato” utilizza citazioni tratte da opere di vari periodi e compositori, dal Rinascimento al XX secolo. commedie musicali. Queste citazioni sono contrapposte nel programma a composizioni originali, dove tutta l’attenzione è rivolta al suono, alla sua specificità acustica, ogni volta che ci fermiamo ad ascoltare.

Così è stato anche per il primo brano del concerto – “Esplorazione del bianco II”, esplorando scrupolosamente i limiti della fragilità attraverso archi e ottoni.

Un’altra composizione con un obiettivo simile era “Omaggio a Burri”, che combinava il gocciolio (e forse il ticchettio) degli ottoni – flauto e sassofono – con gli eloquenti intervalli tra i suoni. In questo brano si rivela particolarmente bene una delle qualità altrettanto mirabili nelle altre opere del compositore: pause lunghe e ascoltate, una trama porosa che lascia leggerezza, una valanga di suoni che non appesantisce l’ascoltatore, ma lascia ampio spazio a il motivo – e in questo caso il suono – a diffondersi senza fermare lo sviluppo drammaturgico.

Un lato completamente diverso del compositore è stato rivelato durante le opere “Adagio di Mozart” e “Anamorfosi”. La prima ricorda la musica di Wolfgang Amadeus Mozart con due cucchiaiate di zucchero, scritta ed eseguita con un tocco estremamente leggero e dolce.

Il secondo è la trasformazione del motivo della canzone del nazista Herb Brown “Singing in the Rain” in brillanti passaggi di pianoforte.

Ma cosa succede quando questi due superpoteri del compositore – l’amore per la musica passata e preesistente e il linguaggio musicale moderno che esplora il suono e il silenzio – si scontrano? Questo è stato rivelato durante le ultime due canzoni del concerto.

“Gesualdo senza parole”, tratto dalle musiche del compositore barocco Carlo Gesualdo, è un miraggio barocco dai contorni sfumati che si fonde perfettamente con gli spazi barocchi della Chiesa di Santa Caterina. Al termine del concerto – la prima di “Paesaggi con macerie”. Questo mosaico di frammenti di mazurche di Frédéric Chopin, messi insieme con pause uguali, crea un’atmosfera un po’ malinconica con vaghi riferimenti alla guerra.

Il vero protagonista della serata è stato l’ensemble Icarus. La musica di S. Sciarrino scorreva molto liberamente e organicamente per il team professionale e carismatico. Si scopre che è possibile (senza puntare il dito contro alcuni collettivi lituani) eseguire sia musica contemporanea incentrata sul suono e sull’acustica, sia inclusioni barocche, classiche o persino jazz, senza perdere la loro unicità.

Inoltre, la chiesa di Santa Caterina si è rivelata uno spazio eccellente, catturando anche le più piccole sfumature degli strumenti.